Drama

City Lights -aka- Luces de la ciudad

”The Tramp”, un vagabundo y la figura mas popular de Charlie Chaplin está en una ciudad grande y se enamora de una chica ciega que vende flores. Salva a un millonario que quiere suicidarse. Pero el millonario solamente está agradecido cuando está borracho. Cuando no está borracho no sabe quien “the tramp” es. Para ayudar a la chica ciega ejerce de barrendero y boxeador para ganar dinero. Finalmente el millionario da el dinero la chica necesita por una operación en Austria. Pero lo olvida y piense “the tramp” sea un ladrón.
Cuatro años después el primer película sonora Charlie Chaplin publicó su película muda Luces de la ciudad. Pero utilizó una pista sonora. En la escena políticos inauguran un monumento. Sus hablas solamente son croar. Es una sátira del película sonora en general y comentario político de Chaplin. Utiliza los posibilidades del película sonora maravilloso en la escena cual “the tramp” se traga un pito. Pero Chaplin no necesita diálogos por la narración de su historia. Solamente utiliza su capacidad de trabajo de actor.
Las escenas de slapstick de Luces de la ciudad son brillante. La escena cuando “the tramp” salva el millonario y los ambos caen el agua doce veces es maravilloso. Y por ejemplo el boxeo o la escena en cual “the tramp” quiero comer espagueti y come una serpentina de papel en lugar de eso también.
Luces de la ciudad es un película con mucho crítica social. Cuando “the tramp” está en un salón de baile de la gente rico él patina en el suelo bruñido. “The tramp” es demasiado naife y honrado y no puede vivir en el mundo de la gente rico. El millonario es una figura crítica también. Solo cuando está borracho está amable y cuando está sorbido es un capitalista sin corazón.
Además Luces de la ciudad es una comedia romántica. Chaplin cuenta la historia de amor entre “the tramp” y l chica muy despacio y comprensivo. Es una parte opositora a todas las escenas slapstick.

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens -aka- Nosferatu, una simfonia del terror

Friedrich Wilhelm Murnau cuenta en su versión no autorizando del libro Dracula de Bram Stokers la historia del conde Orlok. El es un vive en los Montes Cárpatos y quiere comprar una casa en Wisborg. Por eso el joven Hutter viaje a el castillo de Orlok. Ahi Orlok ve un foto de Ellen, la mujer de Hutter. Orlok viaje a Wisborg para encontrarla y Hutter quiere socorrer a su mujer.

El estilo visual es revolucionario y igualmente inusual por este época. Murnau hizo muchos escenas “on location” y no utilice muchos escenas del estudio. Las imagenes de los  Montes Cárpatos son muy impresionante ayudan crear el ambiente amenazante. Este realismo es un un contraste extremadamente desmerecer  del estilo visual de los peliculas expresionismo. La naturaleza es una cosa mas importante. Por ejemplo existe una macrovisión de un pólipo o imágenes de un lobo. La naturaleza es un símbolo por la ferocidad de Nosferatu.

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens es un pelicula de muchas capas. Por eso existe muchas diferente aproximaciónes. La pelicula nació en 1922. Cuatro años después el fin la guerra  mundial. La situación en Alemania era muy inestable y la gente tenia inseguridad. Nosferatu se refleja esta condición. Por Siegfried Kracauer la figura de Nosferatu es un tipo tiránico.

Como en todas las películas de los vampiros, el vampiro es un símbolo sexual. Por un  lado conde Orlok, el vampiro es bisexual. El penetra (pica) a Hutter y quiere su mujer también. El rumor que Murnau podría ser homosexual puede significa que Orlok es un alter ego del director que puedo vivir su sexualidad abierta. Una otra relación es la entre Ellen y Orlok. Ellen vive en un matrimonio un poco asexual le gusta la  sexualidad de Orlok.

Nosferatu es un película que necesita música buen. Sin música buen el efecto es peor.

Werner Herzog hizo un remake de Nosferatu. Pienso que cuyo fin mas negativo, similar que el fin de “El baile de los vampiros” es mejor.

Der letzte Mann -aka- El último

Un película muda que solamente tiene dos intertitulos. Imposible? No! Friedrich WilhelmMurnau lo hizo. El no necesita diálogos para en intertitulos. Sus imagenes y el trabajo de actor del protagonista Emil Jannings son suficiente.
Murnau encuentra la historia de la caída del portero viejo del hotel de lujo Atlantico. El portero tiene un uniforme como un general. Toda la gente tributa respecto a el portero. Pero cierto dia tiene un ataque de debilidad cuando quiere portar un maleta pesado. El lo ve y desplaza el portero a las aseos. No resiste a esta humillación y por la noche roba su uniforme. Empeza un doble vida. Durante el dia trabaja en los aseos pero por la noche cuando vuelve a casa se pone su uniforme. Pero su filfa no funciona en mucho tiempo. Su familia pierde respecto y sus vecinos se ríen de el. Se desespera. Después hay un intertitulo que dice que el herea mucho dinero. Ahora el hombre es un convidado generoso en el hotel.
Quiere Murnau ilustra el fetichismo alemán de los alemanes con su película? Este interpretación es posible pero improbable. En los años veinte toda la gente en Alemania conocían la historia verdadera de “el capitán de Köpenick”. Un zapatero desempleado que alquilaba el uniforme de un capitán y mandaba pelotón a apresar el burgomaestre de Köpenick y robaba la     caja municipal.
Pero la historia de Murnau no pasa directamente en Alemania. La pasa en alguna una gran ciudad y no es una parábola de los alemanes. Es una parábola de la vida y la fragilidad del felicidad. El hombre pierde su dignidad con su uniforme.
El final es difícil también. A un lado demuestra la posibilitad de cambio de  felicidad. Pero por otro lado es posible que esté hecho por el éxito comercial del película. Porque la gente le gusta un “Happy End”.

Sleep Dealer (2008)

Memo lebt ihn einem kleinen Dorf in Mexiko. Da ein amerikanischer Konzern den Fluss, der einst die Farm seines Vater mit Wasser versorgte, aufgestaut hat, ist das Leben dort in jeder Hinsicht mehr als öde. Memo will dort Raus und hackt sich mit einer selbstgebauten Maschine ins weltumspannende Kommunikationsnetz. Dieses wird jedoch als Hacker Attacke von Wasser Terroristen gewertet, weshalb eine Kampfdrohne sein Haus zerstört und seinen Vater tötet. Memo wird live Zeuge, da der Angriff im Rahmen einer Reality-Show im Fernsehn übertragen wurde.
Nun halt ihn nichts mehr in seinem Dorf und er reist in die Stadt, wo er sich von der hübschen Luz Anschlüsse in den Körper implantieren lässt, um mit diesen durch die Kraft seiner Gedanken online zu gehen. Denn so kann er in einer Sleep Dealer Fabrik arbeiten. Hier arbeiten Mexikaner, die allesamt verkabelt sind und so Roboter jenseits der Grenze in den USA Roboter bedienen.
Währenddessen macht sich Ruby, der ebenfalls verkabelte Pilot auf den Weg nach Mexiko. Er hat im Netz die ERinnerungen von Luz gekauft und weiß dadurch, dass er er mit Memos Vater einen Unschuldigen ermordet hat.
Ausbeutung von mexikanischen Arbeitern, die man dafür noch nicht mal in die USA lassen muss. Eine unüberwindbare Grenze. Eine von Großkonzernen kontrollierte Wasserversorgung. Realityshows in denen privater Krieg gezeigt wird. Totale Vernetztung.
Sleep Dealer hat ein enormes Potential aber nutzt es in keinser Weise. Inspieriert durch Filme wie Matrix oder auch Ghsot in the Shell interessiert sich Sleep Dealer nicht für politische oder wirtschaftliche Hintergründe. Statt ein Thriller in einer schönen neuen Welt zu sein, ist er ein odes Drama. Die Liebesgeschichte um Memo und Luz, die unter dem Schatten steht, dass Luz Memos Geschichte verkauft hat, wirkt aufgesetzt und auch Rubys “Überwindung der Grenze” mag nicht recht fesseln.
Außerdem gibt es die ein oder andere Logiklücke. Warum muss man sich bespielsweise Seine Verkableung auf dem Schwarzmarkt besorgen, wenn die billigen Arbeitskräfte in den USA doch unentbehrlich sind?
Die Computereffekte sind übrigens für heute Verhältnisse sehr bescheiden. Aber diese Umstand ist eigentlich nicht weiter störrend. Denn selbst wenn die Animationen auf Hollywood Level wären, würde das Sleep Dealer nicht retten.

Regie: Alex Rivera

Sleep Dealer in der IMDB

Roja Oriental (2009)

Tunesien: Lilia, eine Hausfrau in den besten Jahren, lebt seit dem Tod ihres Mannes ein eher langweiliges Leben. Ihr Alltag besteht aus Putzen, Stricken und Kochen. Natürlich hat sie auch ein Auge fast erwachsene Tochter Salma, die lieber mehr Freiheit hätte und statt dessen gerne auf Mamis selbst gestrickte Pullover verzichten würde. Lilia vermutet indes, dass Salma eine Beziehungmit dem Musiker Chokie haben könnte. Als ihre Tochter eines Nachts nicht nach Hause kommt, sucht sie das Tanzvarietee auf, in dem dieser arbeitet und entdeckt eine völlig neue Welt.
Sie ist schockiert und fasziniert von dem Etamblisment in dem bei heißen, arabischen Rhythmen Bauchtänzerinnen die Hüften kreisen lassen. Angetrieben von größtenteils männlichen Zuschauern. Obwohl sie bei ihrem ersten Besuch dort in Ohnmacht fällt, kehrt sie zurück und schlüpft eines Nachts selbst in eines der glitzernden Bauchtankostüme. Ehe sie sich versieht steht sie selbst auf der Bühne und tanzt ekstatisch.
Lilia schließt Freundschaft mit einer anderen Bauchtänzerin und lässt sich von ihr in die Geheimnisse der Bauchtanzkunst einweisen. Der Tanz erweckt ihre Lebensgeister und Lilia beginnt ihr (Doppel)Leben zu genießen. Sie kauft neue Schuhe, legt sich einen jugendlichen Haarschnitt zu und erweckt schließlich auch das Interesse Chokris an ihr. Dieser weiß natürlich nicht, dass Lilia die Mutter seiner Freundin ist.
Roja Oriental erzählt die Geschichte der Geschichte der einsamen, gelangweilten Witwe, die zurück ins Leben findet. Zuschauern die nicht mir der arabischen Welt, vertraut sind, wird der Film vermutlich etwas irritieren. Denn Roja Oriental hat wenig mit westlichen Klischees über die arabische Welt zu tun. Tochter Selma hat eine sexuelle Beziehung zu einem Mann und kämpft vermutlich den gleichen Kampf gegen elterliche Autorität wie andere junge Menschen. Kopftücher gibt es im ganzen Film nicht. Wobei ich kann natürlich wenig darüber sagen kann, wie weit das Kopftuch in Tunesien verbreitet ist.
Der Film konzentriert sich ganz auf Lilias Entwickelung. Der Höhepunkt dieser ist natürlich der finale Sex mit Chokri Lilia verführt den sehr viel jüngeren Freund ihrer Tochter in einer Nacht, in der diese eigentlich mit ihm verabredet und deshalb extra einen Freundin „zum lernen“ gegangen war. Der Sex zwischen Choki und Selma wird im Film nur dadurch angedeutet, dass man sieht was davor oder danach passiert. Anders sieht es bei der Sexszene mit Lilia aus. Hier geht es, für konservativ islamische Verhätnisse wahrscheinlich extrem heiß zu.
Lustigerweise fast die, an diesem Abend vom Freund versetzte Tochter am nächsten morgen Mut und plant nun, der Mutter ihren Freund vorzustellen. Das die beiden sich schon mehr als gut kennen, wird Selma wohl nie erfahren. Als etwas konservativ geratenes Ende heiraten Chokri und Selma schließlich. Der Mutter-Tochter-Konflikt wird also ausgespart. Kleiner Bonuspunkt für das biedere Ende ist immerhin die Szene in der Lilia mehr oder weniger Eindeutig mit dem Bräutigam tanzt.
Roja Oriental ist ein überaus gelungener Film, der neben tollen Tanzeinlagen und guten Schauspielern auch einen nicht westlichen Blick auf Themen wie weibliche Sexualität und Selbstverwirklichung eröffnet.

Roja Oriental WebSeite beim Amal Festival

Trailer:

Lady Snowblood -aka- Shurayukihime (1973)

Es sind unruhige Zeiten im Japan kurz vorm Anbrechen des 20. Jahrhunderts. Das Land, dass sich lange Zeit dem Westen gegenüber verschlossen hat, öffnet sich und will sich zur Weltmacht entwickeln. Deswegen wird die, im alten Japan des Shogun und Samurai, völlin unbekannte Wehrpflicht eingeführt.

In einem kleinen Dorf kommt, auf Grund von Gerüchten zur Tragödie. Drei Männer und eine Frau töten den neuen Grundschullehrer des Dorfes. Sie geben vor ihn für den in Weiß gekleideten Beamten der Regierung zu halten, der zur Überwachung der Wehrpflicht beauftragt ist. Sie metzeln den Mann brutal nieder, töten seinen kleine Sohn und vergewaltigen tagelang seine Frau. Anschließend erzählen sie den Leuten in Dorf sie könnten sich von der Wehrpflicht frei kaufen, in dem sie 270 Yen bezahlen. Einer der Betrüger macht sich mit seinem Anteil auf nach Tokio und nimmt die zuvor geschändete Frau des Lehrer mit, da er ihr verfallen ist. Diese tötet ihn schließlich und wird dafür ins Gefängnis gesteckt.

Dort verhält sie sich wie eine läufige Hündin und hat Sex mit jedem Mann, der ihr über den Weg läuft. Sie will unbedingt schwanger werden und einen Sohn gebären, der ihre Rache fortführen kann. Bei der Geburt einer Tochter stirbt die Frau und das Kind wird von einer wenig später freigelassenen Mitgefangenen zur Lehre bei einem Kampfkunstmeister gegeben, der sie zum gnadenlosen Racheengel ausbildet.

Als das Mädchen zu einer bildhübschen Frau herangewachsen ist, macht es sich daran die Rache ihrer Mutter zu vollendenden. Lady Snowblood genannt. Mit Hilfe des japanischen Bettlerkönigs spürt sie die Mörder von damals auf und folgt ihrer Bestimmung.

Ihr erstes Opfer ist inzwischen ein kranker, alter Säufer. Seine Tochter prostituiert sich heimlich um ihrem Vater Schnaps und Medizin zu kaufen. Der zweite Mann auf ihrer Liste ist angeblich bei einem Opiumschmuggel gestorben. Auch beim Versuch Rache an der Frau die unter den Mördern war, scheitert sie. Diese ist inzwischen Anführerin einer Mafiagruppe und erhängt sich bevor sie gerichtet wird.

Doch mit dem Auftauchen des letzten Mörders, der nicht ertrunken, sondern sehr lebendig ist muss ihre Rache vollenden und kann sich nicht dem Leben mit dem Journalisten und Buchautor widmen, der ihre Geschichte als Roman herausgebracht hat.

Rache! Immer wieder ein großartiges Filmthema. Mit Lady Snowblood setzt es Regisseur Toshiya Fujita auf überaus poetische Weise in Szene. Die Heldin wird lediglich zum Zweck der Rache gezeugt und geboren (Ich frage mich ob sich die Nighmare on Elmstreet Macher davon haben inserieren lassen. Wir erinnern uns: Freddy Kruegers Mutter war Nonne und wurde in einer Psychiatrie von sämtlichen Irren vergewaltigt. Freddy ist ja auch eine Rachfigur). Es wird in manchen Szenen deutlich, wie sehr Lady unter ihrer Rolle leidet. Wenn sie nicht das Schwer schwingt um Blut zu vergießen wirkt sie erstaunlich zerbrechlich. Ein völlig unfreies, fremd bestimmtes Wesen. Hauptdarstellerin Meiko Kaji spielt ihre Rolle sehr überzeugend und sang auch den Titelsong. Die Filmmusik selbst tut auch ihren Teil zur Atmosphäre des Films.

Der Beginn des Filmes ist sehr verschachtelt erzählt (kein Sorge später wird linear). Es wird gesprungen zischen Lady Snowbloods Mutter im Gefängnis, der Geschichte um den Mord an ihrem Mann, der Jetztzeit in der sich Lady Snowblood bewegt und dem historischen Hintergrund, der in Zeichnungen bzw. Mangazeichnungen erzählt wird. Gerade diese schwarz weiß roten Bilder verfehlen ihre Wirkung nicht.

Rot ist sowieso das Stichwort. An Blut wurde in Lady Snowblood nicht gespart. Jeder Schwertstoß eine Blutfontäne! Es ist schwer zu sagen, ob das übertrieben ist oder eine Abkehr von Filmen in denen überhaupt kein Blut fließt. Definitiv hat Lady Snowblood aber mit den Weg frei gemacht für Filme wie Shogun’s Sadism – The Joy of Torture 2: Oxen Split Torturing. Die Schwertkämpfe für sich sind mit ungeheurer Eleganz choreografiert.

Neben dem Rachemotiv thematisiert behandelt der Film auch die oft im Film verarbeitete (zuletzt durch Last Samurai) Öffnung Japans gegenüber dem Westen. Gerade wie Lady Snowbloods Opfer angeordnet sind ist ein Zeichen dafür. Der Erste ist ein Verlierer, der es in den neuen Zeiten zu nichts gebracht hat. Die Zweite ist Mafiaboss und verfügt bereits über Schusswaffen. Und der dritte ist kein kleiner Verbrecher, sondern Waffenschmuggler, der Geschäft mit der Regierung macht. Nachdem Lady Snowblood ihn getönt hat ist für sie selbst kein Platz mehr, da sie selbst Bestandteil des alten Japans ist (Schön in diesem Zusammenhang ist auch die Szene, in der das letzte Opfer von der Galerie fällt und dort die Japanische Flagge herunter reißt, die dort neben der amerikanischen hing). Jedoch wird sie von der Tochter (die Prostituierte) eines ihrer Opfer getötet, wodurch auch die Botschaft herausgestellt wird, das Gewalt immer nur neue Gewalt hervorruft.

Bekanntheit außerhalb der Eastern Fan Szene bekam der Film erst wieder durch Quentin Tarantinos Kill Bill. Dieser bedient sich ganz offen aus Lady Snowbloods Motiven und zitiert ihn eigentlich ununterbrochen.

Was ich noch sehr gut gemacht fand, war übrigens des Maskenball, der an Sissi Filme erinnerte und so die folgende Gewalt sehr schön kontrastierte. Wobei man sich bei dem Ball natürlich beschweren kann, dass dort Flaggen hängen, die es zur Zeit in der, der Film spielt noch gar nicht gab, weil es die Staaten noch nicht gab. Aber so kleinkariert sollte man nicht sein^^

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Das Pendel des Todes -aka- Pit and the Pendulum (1961)

Ein junger Adeliger kommt in das Schloss seines Schwagers Nicolas in Spanien um sich nach den Umständen zu erkundigen, nach denen seine Schwester verstorben sei. Befriedigende Antworten findet er dort aber nicht. Stattdessen seinen Schwager, der dabei ist wahnsinnig u werden, weil er befürchtet, seine Frau lebendig eingemauert zu haben. Als kleines Kind musste er nämlich mit ansehen, wie sein Vater dies mit seiner untreuen Mutter machte, nachdem er sie zuerst fast zu Tode folterte. Weiterhin scheint der Geist der toten Frau im Schloss ihr Unwesen zu treiben um auf ihr Schicksal als lebendig eingemauerte aufmerksam zu machen.

Roger Corman hat mit diesem Film mal wieder etwas bemerkenswertes geschaffen. Mit Hilfe schaurig schöne Kulissen und einem, zwar altmodischen aber spannenden Drehbuch, gelingt es ihm wunderschön gruselige Horroratmosphäre zu schaffen. Der Film der nach einer Vorlage von Edgar Allen Poe entstand verzichtet, wie für 1961 typisch auf blutige Effekte oder sonstigen Schnickschnack, aber das tut der Qualität des Films keinen Abbruch, wobei man wenn man nur Teenyslasher gewöhnt ist, vielleicht Schwierigkeiten habe dürfte sich auf den Film einzulassen. Großartig ist natürlich Vincent Price, der zwar zu Beginn auf Grund seiner Rolle ein bisschen weibisch wirkt, aber im Finale seinem Ruf als Horrorikone mehr als gerecht wird.

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WALL-E

Roboter WALL-E ist einsam. Die Menschen haben ihn auf der verseuchten und lebensfeindlichen Erde zurückgelassen und sind vor 700 Jahren in den Weltraum geflohen. Seit dem räumt er, wie es sein Programmierung vorsieht, den Müll der untergegangen Zivilisation weg und presst ihn zu handlichen Klötzen zusammen.
Sein einziger Freund ist eine kleine Kakerlake, die er sich als Haustier hält und zur Unterhaltung dient im lediglich ein altes Tanzmusical, dass er sich jeden Abend, nach Feierabend auf seinem Ipod ansieht.
Abwechslung kommt erst in WALL-Es Alltag, als die hübsche Roboterfrau Eve mit ihrem Raumschiff landet und mit ihrer enormen Feuerkraft für Chaos sorgt.
Wer schon immer meinte, zu viele Dialoge, würden die meisten Filme ruinieren, sollte sich den neuen Film aus Computern von Pixar ansehen. Fast ein Stummfilm, überzeugt dass Animationsabenteuer durch einem sympathischen, ungemein menschlich wirkenden Helden, viel Situationskomik und eine beißende Zivilisationskritik.
Gerade die erste Hälfe des Film, in der WALL-E durch das Postapokalyptische New York zieht, enthält je Menge böser Anspielungen auf unsere alltäglichen Konsumneigungen. Später, wenn WALL-E auf Menschen trifft, die durch 700 Jahre „Weltraumkreuzfahrt“ so dick geworden sind, dass sie Roboter brauchen um sich fort zu bewegen, geht das Subtile zwar unter, aber dafür wird angefangen zu sprechen und eine ganze Armee kauziger Roboter sorgt für Spass.

[youtube 1qaAQbggU]

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Die Geisha -aka- Memoirs of a Geisha (2005)

Japan. Die Eltern verkaufen ihre zwei Töchter an einen Händler. Die eine kommt in eine Geisha Schule die andere in ein Bordell. Das Mädchen in der Geisha Schule ist von Intrigen umgeben und versaut sich fast ihre Zukunft durch persönliche Doofheit. Schließlich trifft das kleine Mädchen einen Fabrikdirektor und nimmt sich vor, nun doch Geisha zu werden um dann ihm zu gehören. Sie schafft es, wird Super Geisha, der Krieg bricht aus und am Ende kriegt sie nach zwei Stunden hin und her auch den Direktor.

Edelprostitution - Der Film hätte man den Film auch nennen können, aber das klingt vermutlich zu spannend. wobei ein Geishaporno vermutlich interessanter wäre als dieser Quark. Die Story ist so dünn, wie die Seide der Kostüme und dämlich wie Rauhfasertapette. Wer das ignoriert oder genügend Drogen konsumiert hat, wird sich aber an den wirklich großartigen Kostümen freuen. Die ebenfalls teilweise wunderschönen Bilder wirken auf dem Fernseher zwar nicht wirklich, aber dafür kann der Film ja nichts.

Aber trotz schöner Kostüme und toller Bilder ist Die Geisha letzen Endes ein langweiliger, dummer und leider auch kaum erotischer Film.

Redbelt (2008)

Mike Terry ist Kampfsportlehrer aus Überzeugung. Bei ihm geht es mehr um die Philosophie, die hinter der Kampfkunst steckt, als ums bloße gewinnen. Sein Leben gerät eines Abends aus dem Ruder, als die Anwältin Laura Black völlig verstört in seinem Jiu-Jitsu Dojo auftaucht und mit der Waffe eines dort trainierenden Cops die Scheibe einschießt. Als wäre das nicht schon Stress genug, gerät er am Abend in eine Kneipenschlägerei in der dem Hollywoodstar Ched Frank (Tim Allen ist ganz schön alt und fett geworden) die Haut rettet.

Um die Wendungen die Redbelt noch auf Lager hat zu erklären würde man ein paar Seiten brauchen, deswegen spare ich es mir diese im Detail zu erklären. Es sie nur gesagt, dass der Film munter von einem Kampfsportdrama, zu einer Abrechnung auf ein korruptes Showgeschäft und Hollywood, über eine kleine Anwaltsstory hin zum Copthriller und wieder zurück zum Kampfsportfilm wandert. Tut das Redbeld gut? Nicht wirklich.

Es werden zu viele dramatische Fässer aufgemacht und zu viele Handlungstränge miteinander verknüpft, als das man die Handlung noch ernst nehmen könnte. Um die einzelnen Stränge des Films zu verknüpfen und am Schluss den für einen Material Arts Film obligatorischen Endkampf zu arrangieren kommt all zu oft der Zufall, das Schicksal oder das Drehbuch von Regisseur David Mamet zur Hilfe. Das ist ärgerlich, denn der House of Games sollte das eigentlich besser können.

Das Redbeld dennoch kein Flop ist, sondern sich durchaus als kleiner Independent Streifen sehen lassen kann liegt besonders an Hauptdarsteller Chiwetel Ejiofor. Er trägt den ruhigen Film über weite Strecken, auch wenn seine Figur des Kämpfer mit Überzeugungen ein wenig ausgelutscht erscheint. Wer harten Karatefilm erwartet wird vermutlich enttäuscht werden, wobei sich die wenigen Jiu-Jitsu Kämpfe die es gibt in de Tat sehen lassen können.